Künstler
Takuya Urabe
(Japan)
Takuya Urabe wurde 1968 in Hokkaido, Japan, geboren. Er begann seine künstlerische Tätigkeit 2015 und lebt derzeit in Sapporo, Hokkaido, wo er seine Arbeiten weiterentwickelt. Künstlerstatement: Ein Spiegel chaotischer Emotionen Was wäre, wenn ein einzelnes Foto als Spiegel dienen und die Emotionen des Betrachters widerspiegeln könnte? Diese Frage steht im Mittelpunkt meiner langjährigen Serie „Ein Spiegel chaotischer Emotionen“, an der ich seit fast einem Jahrzehnt arbeite. Das Projekt wurzelt in zwei frühen Inspirationen. Die eine ist die Frage: Was macht ein Foto ausstellungswürdig? – eine Abwandlung des Titels von Sadakazu Fujiis Gedichtkritik „Was macht ein Gedicht rezitationswürdig?“ Die andere ist eine visuelle Erinnerung aus meinen Zwanzigern: das Kalenderbild einer schlichten, abstrakten blauen Skulptur. Sie hatte nur eine einzige schnittartige Linie, doch ich konnte mich nie sattsehen. Diese stille, beständige Präsenz beeinflusst noch heute meine Wahrnehmung und Bildgestaltung. Ich fotografiere bewusst alltägliche, unbedeutende Motive – Objekte ohne starke Bedeutung. Denn Bedeutung kann manchmal die reine Wahrnehmung stören. Jedes Bild entsteht mit kamerainterner Mehrfachbelichtung, ohne computergenerierte Bearbeitung. Manchmal entsteht beim Übereinanderlegen dieser Belichtungen ein Moment unerwarteter Resonanz. Es mag nur eine Illusion sein – doch durch diese übereinandergelegten Bilder möchte ich fragile, vorsprachliche Empfindungen widerspiegeln, die im Augenblick vor den Worten entstanden sind. Techniken: Kamerainterne Mehrfachbelichtung mit DSLR, kein digitales Compositing.
Sam Peacock
(England)
Inspiriert von ländlichen und küstennahen Landschaften hinterfragt Sam Peacock in jedem Aspekt seiner Arbeit die traditionelle Auffassung von Landschaftsmalerei. Peacocks einzigartige Interpretation der Landschaftsmalerei umfasst die Verwendung unkonventioneller Ölfarben, Lacke, Kaffeebohnen und verschiedener Rohstoffe, die alle auf Stahlblech aufgetragen werden. Die Farbe, ein wesentlicher Aspekt der Arbeit, ist von den Farben der Landschaft selbst inspiriert, wobei jede Palette an einem bestimmten Ort entsteht. Peacock experimentierte in den letzten 30 Jahren mit der Balance von Farbe und Licht auf Stahl und tauschte den traditionellen Pinsel gegen Rolle und Lötlampe ein. Seine einzigartige Kunstauffassung hat Peacocks Karriere vorangetrieben und ihn zu einem der gefragtesten zeitgenössischen Landschaftskünstler unserer Zeit gemacht. Peacocks Portfolio reicht von unabhängigen Galerieausstellungen über großformatige Kunstinstallationen für renommierte Hotels bis hin zu umfangreichen Innenarchitekturprojekten. Letztes Jahr feierte seine Kunst ihr Debüt als öffentliche Installation im Auftrag des Islington Council im Zentrum Londons. Das Auftragswerk ist acht Meter hoch und besteht aus Ziegeln, Stahl und Farbe. Das Licht wird von der Stahloberfläche reflektiert und erzeugt eine sich ständig verändernde Landschaft, die Licht als erlebbares Medium nutzt.
Billy Gruner
(Australien)
Typisch für Billy Gruners Praxis sind die für die Ausstellung „Nonobjectform 2025“ ausgewählten Tafelwerke Gemälde und Skulpturen zugleich. Sie thematisieren gleichzeitig Wahrnehmung und physischen Raum und sind gleichzeitig monochrome Werke (die Grautöne gelten nicht als Zweitfarbe per se) und verweisen auf architektonische Ebenen, Winkel und Oberflächenmaterialität/-konstruktion. Diese vermeintlich „unzeitgenössischen Kunstwerke“ werden aus gewöhnlichen Materialien aus dem Baumarkt gefertigt und wirken wie Möbel oder Teile einer Konstruktion. Ein Fragment, das bewusst zwischen verschiedenen Formen konzeptueller Kunst angesiedelt ist, die aus dem Themenfeld der Malerei des 20. Jahrhunderts hervorgegangen sind, und das alles im Rahmen einer Normalisierung einer heute üblichen Verschiebung traditioneller Malmodelle – seit den konzeptuell geprägten 1960er Jahren. In Form von Maskierungen oder einer Reihe von Ideenwechseln tendieren die Werke jedoch dazu, die zeitgenössische gemalte Objektform in den vom Künstler definierten „Nicht-Objekt-Zustand“ zu ziehen. Dies ist nicht leicht nachzuvollziehen, da es sich aufgrund seiner flexiblen Interpretation immer um eine Objektform handelt. Als neueres Werkmodell verdankt es jedoch viel den Vorgängern aus Gruners Praxis, den sogenannten „Punks“. Die Punk-Serie umfasste eine Art Hommage an Musik, Klang, Folk und Handwerkstraditionen, die im Rahmen des Gemäldes, der Skulptur, des Reliefs oder der architektonischen Konstruktion zusammenfielen. Billy Gruner ist seit geraumer Zeit im Genre der RNO tätig und fungiert auch als Musiker, Kurator/Organisator, Autor und Programmdesigner. Der Künstler ist heute vor allem ein spezialisierter Kunstschaffender. Wichtig ist hierbei, dass der Künstler in dieser Ausstellung eine einzigartige Antwort innerhalb einer maßgeschneiderten modernen Präsentation eines zeitgenössischen, reduzierten (wie die Amerikaner es bevorzugen) und nicht-gegenständlichen Stils gefunden hat. Gleichzeitig fügen sich die Werke harmonisch zusammen und repräsentieren, wenn man sie gemeinsam betrachtet, eine bahnbrechende Praxis nach dem 20. Jahrhundert. Eine moderne Arbeitsweise, die innerhalb eines spezialisierten zeitgenössischen Zirkels weltweit breiter anerkannt wird. Daher ist es angebracht, sie als beispielhaft für die natürliche Gestaltung und repräsentativ für die ursprüngliche Absicht der Macher nach dem 20. Jahrhundert zu bezeichnen. Essaynotizen für „Reductive Australien“ (Modifizierter Auszug aus dem Essay „Nonobjectform, New Work for New Systems“, verfasst in Kiew 2018
Sarah Keighery
(Australien)
Sarah Keigherys reduzierte Kunstpraxis seit den späten 1990er Jahren dreht sich um das Experimentieren mit Malerei, einer Hommage an relationale Geschichten, Skulptur, Performance und Objektherstellung. Die zeitliche Qualität von Lebensmitteln/Substanzen als Ersatz für traditionelle Materialien, wie beispielsweise handgemachte Farben aus Lebensmittelfarbstoffen, ist dabei der Schlüssel zu einer angemessenen Interpretation ihrer zeitgenössischen Malerei. Die „Lebensdauer“ bzw. die Beziehung zur Zeit unterstreicht dabei die oben erwähnte methodische Bedeutung. Recycling oder Wiederverwendung ist ein weiterer Aspekt, der aus verschiedenen aktuellen Perspektiven erörtert und spekuliert wird. Auf diese Weise und durch die Verarbeitung verwandter Interessen, wie der Verwendung industrieller Lebensmittelzusatzstoffe oder Farbstoffe, lassen sich die semipermanenten Installationsarbeiten treffend als „zeitgenössischer Austausch“ beschreiben. Das heißt, zwischen Produkt, Konsequenzen und Kunstschaffen im Hinblick auf dessen Aktualität oder soziale Wertigkeit. Die gemalten Objekte/Werke bestehen in der Regel aus monochromen Kreisen, die in einer Linie angeordnet sind. Der Kreis oder das Punkt-Linien-Muster ist das Wesen dieser gemalten oder gezeichneten Werke. Die Verwendung der Linie (eine Erweiterung aneinandergefügter Punkte) ist zeichnerisch, während die kollektive Umsetzung einer mono- oder polychromatischen Farbe (Lebensmittelmaterial/Substanz), die auf die Punkte/Linien (Holz, Stahl, Kunststoff) aufgetragen wird, den Ausgangspunkt für ein zeitgenössisches Malprojekt symbolisiert, das ihr Handwerk und ihre einzigartige Stimme zum Ausdruck bringt. Diese kontingenten Aspekte schaffen, wie die Künstlerin es versteht, einen „Mikrokosmos“, einen Ort, an dem zeitgenössische Kunst und der Austausch konzeptioneller Anliegen inszeniert werden. Darin, so die Künstlerin, „wird die grundlegende Schönheit der Malerei wiederbelebt … und führt den modernen Betrachter in die grundlegenden Fragen der heutigen Bildgestaltung ein.“ In Keigherys postformalistischer und stark konvergenter Kunst wird über Einfachheit meditiert. Und die Nachbildung der Denkprozesse des Geistes erinnert uns an die einfachsten Fragen, die erstmals während der großartigen, lang anhaltenden und weitreichenden Bauhaus-Zeit aufgeworfen wurden. Ebenso wird die Frage „Was ist Kunst?“ innerhalb eines spezifischen, nicht gegenständlichen Genres, das die Bauhaus-Kunstschaffenden vollständig verstanden, erneut diskutiert. Durch diese Wendung nach vorn aus einer fundamentalen Haltung heraus findet gleichzeitig eine Rückkehr statt! Die Künstlerin erklärt: „… ein Kreis schließt sich, zurück zu wertvollen Traditionen“, und weiter: „… ich bin entspannt in dem Gefühl, zu wissen, dass etwas schon einmal geschehen ist und wahrscheinlich wieder geschehen wird, innerhalb des reduziert Abstrakten.“ Wichtig ist in diesem Fall die Betrachtung der Monochromie und des Schaffens nach dem 20. Jahrhundert, in Werken, die zyklische Auseinandersetzungen wie „Schöpfung/Vernichtung“ aufweisen. Die Künstlerin absolvierte zunächst Grafikkurse und studierte später Schmuck- und Objektdesign in Sydney. Ihre Werke wurden lokal, national und international gesammelt. Sie war Mitbegründerin zahlreicher Kunstprojekte und kuratierte Ausstellungen wie die 3. Australische Biennale für Reduktive Kunst. Lebt in den Blue Mountains, Australien.